Palmarés feliz

 

Llegó por fin el sábado y esa gala de los Osos ante la que los que hemos seguido el festival nos preguntamos si acertamos en nuestro pronóstico. La respuesta suele ser un no. Es ley no escrita de la Berlinale que el jurado, en este caso el de Wim Wenders, busca su propia película y no premia aquello que ya tuvo su galardón en otro festival. En este caso, el de Sundance, por lo que respecta a “Josephine”, la impecable película sobre los estragos que una violación provocará no solo en la víctima, sino en una niña convertida en testigo accidental del acto y en todo su entorno familiar.

“Josephine” se fue de vacío, lo mismo que otras favoritas -de la austríaca “The Loneliest man in twon”, para este blog, o “We are all strangers”, de Singapur, para tantos otros-. Se alzó con el Oro Turquía. O, mejor dicho, una película con título alemán, “Gelbe Briefe”, dirigida por un berlinés, Ilker Çatak, pero que para los mortales empeñados en ser los primeros en informar es “turca” o, si acaso, germano-turca. Se habla en turco y remite al autoritarismo practicado en ese país, auqnue Catak lo traslade a Berlín y Hamburgo. Para los medios alemanes, no hay dudas: el Oro se va a un cineasta berlinés. Es la primera vez en más de 20 años que el cine alemán se alza con el oro en su festival. La última vez que lo hizo fue en 2004 con "Contra la pared", del asimismo germano-turco Fatih Akin.

El segundo premio en el escalafón, Oso de Plata Gran Premio del Jurado, sí fue claramente para Turquía: “Kurtulus”, de Emin Alper, un filme entre pedregales en que se mezclan fanatismos y disputas territoriales entre clanes en una remota región kurda.

El palmarés de Wenders tuvo un doble espacio para “Queen at Sea”, el drama de la desbordada hija, Juliette Binoche, ante la demencia de su madre. Le dio una la plata a su director, Lance Hammer, y otra más a sus dos secundarios, Tom Courtenay y Anna Calder-Marshall, el matrimonio de ancianos que sigue buscando el sexo.

Hubo más triunfos para el cine alemán a través de la plata para Sandra Hüller y su rompedora soldado “Rose”. Y un Oso a la dirección escénica para británico Grant Gree, por “Everybody Digs Bill Evans”, además de otro al guión de “Yo”, la casa de muñecas de Anna Fitch.

¿Todo bien? Pues sí, aunque un año más no acertarse en tus pronósticos. Wenders logró cerrar un palmarés del que cuesta disentir y, además, demostró que la Berlinale sigue apostando por el cine político, aunque silencie o mire hacia otro lado ante Gaza.

El Oso de Oro, como el Gran Premio del Jurado, son dos películas de fuerte voltaje político. “Gelbe Briefe”, por ser una “premoción aterradora de lo que puede ocurrir en nuestros países”, en palabras de Wenders. “Kurtulus”, o “Salvation”, porque además de la temática del filme dio oportunidad a su director de dirigirse, Oso en mano, a los palestinos en Gaza, al pueblo iraní y a los kurdos y asegurarles un “no estáis solos”.

Gaza, efectivamente, no estuvo sola en la gala. Fueron varios los galardonados que recordaron a sus víctimas, tras diez días de festival marcados por la polémica entorno al silencio alemán ante el genocidio. Tanto Wenders como la directora de la Berlinale, Tricia Tuttle, afrontaron desde el minuto cero de la gala las críticas a una ambivalencia que deriva de la doctrina oficial alemana de apoyo incuestionable a Israel.

El director y presidente del jurado pidió a modo de tibia disculpa la unión de “activistas, cineastas y periodistas” frente a un mundo que está “fuera de control”. Podía interpretarse como un mea culpa tras el terremoto provocado en su torpe respuesta de la conferencia de prensa inaugural, cuando defendió que un cineasta debe mantenerse al margen de la política. Tuttle intervino al principio de la ceremonia para garantizar en la Berlinale hay espacio para la crítica o para alzar la voz. Más explícito fue el productor de “Gelbe briefe”, el alemán Ingo Fliess, al advertir que las amenazas no provienen del cine, sino de los autócratas, la ultraderecha y los nuevos fascismos.

Wenders y Tuttle pretendían salir al paso de la acusación de que la Berlinale silencia a Gaza. Pero fue  precisamente un palestino quien indirectamente les “salvó” la papeleta. El cineasta Abdallah Alkhatib recibió su premio a la mejor Ópera Prima por “Chronicles From the Siege” con una denuncia sobre el escenario al gobierno alemán, al que calificó de “cómplice del genocidio de Gaza”. Envuelto en la kufiya palestina, aseguró que algún día Palestina “será libre” y que Gaza tendrá un gran festival, donde se hablará de política, más que de cine.

Provocó gritos propalestinos entre el público y nervios en la presentadora de la gala, Désirée Nosbusch. Está programado que se desate un nuevo debate en Alemania, y especialmente en el sensacionalismo mediático representado por “Bild”, sobre el presunto antisemitismo en la gala de los Oso. También son previsibles las condenas del gobierno alemán al pronunciamiento del cineasta.

Pero en realidad lo que hizo Alkhatib y quienes hablaron en nombre de Gaza fue salvar la reputación de la Berlinale. Al fin y al cabo, se dio pantalla y premio a un palestino refugiado por reflejar el “estado de sitio” de su población y denunció sobre el escenario al gobierno “cómplice” del país que le acoge.

La Berlinale cerró así su año más complejo con algo parecido a un “Palmarés feliz”. Habrá que ver si no hay más sacudidas, para el cineasta o para Tuttle, una vez retirada la alfombra roja de su 76 edición.

Traspiés político en una Berlinale sin brillo

Fernando Eimbcke i els protagonistes de "Moscas" - Richard Hübner, Berlinale
 

Més polèmica que cinema

Si hi ha hagut una estrella destacable a la Berlinale, que es tancarà aquest dissabte amb l’entrega dels Ossos entre les 22 pel·lícules a competició, ha estat un bloguer alemany, Tilo Jung. A la primera conferència de premsa va sorprendre el president del jurat, Wim Wenders, amb la pregunta incòmoda de per què un festival subvencionat i amb reputació de polític “silencia” el genocidi de Gaza. Wenders va voler esquivar la qüestió amb l’argument que els cineastes no poden entrar directament en política, sinó fer-ne de “contrapés”. Immediatament es van encendre les xarxes amb acusacions de censura, ja que es va tallar l’streaming que difonia la conferència de premsa justament en aparèixer aquesta qüestió. La Berlinale es va disculpar pel problema tècnic i va penjar íntegra la conferència, com fa amb totes. Però Tilo Jung ja tenia un primer triomf. El van seguir un comunicat de la Berlinale en defensa de Wenders, un manifest de 81 cineastes –entre ells Javier Bardem i Tilda Swinton, Os d’Or d’Honor l’any passat– per denunciar el “silenci” de la Berlinale sobre Gaza i més explicacions de la presidenta del festival, Tricia Tuttle.

Gemma C. Serra

Si hi ha hagut una estre­lla des­ta­ca­ble a la Ber­li­nale, que es tan­carà aquest dis­sabte amb l’entrega dels Ossos entre les 22 pel·lícules a com­pe­tició, ha estat un blo­guer ale­many, Tilo Jung. A la pri­mera con­ferència de premsa va sor­pren­dre el pre­si­dent del jurat, Wim Wen­ders, amb la pre­gunta incòmoda de per què un fes­ti­val sub­ven­ci­o­nat i amb repu­tació de polític “silen­cia” el geno­cidi de Gaza. Wen­ders va voler esqui­var la qüestió amb l’argu­ment que els cine­as­tes no poden entrar direc­ta­ment en política, sinó fer-ne de “con­trapés”. Imme­di­a­ta­ment es van encen­dre les xar­xes amb acu­sa­ci­ons de cen­sura, ja que es va tallar l’stre­a­ming que difo­nia la con­ferència de premsa jus­ta­ment en aparèixer aquesta qüestió. La Ber­li­nale es va dis­cul­par pel pro­blema tècnic i va pen­jar ínte­gra la con­ferència, com fa amb totes. Però Tilo Jung ja tenia un pri­mer tri­omf. El van seguir un comu­ni­cat de la Ber­li­nale en defensa de Wen­ders, un mani­fest de 81 cine­as­tes –entre ells Javier Bar­dem i Tilda Swin­ton, Os d’Or d’Honor l’any pas­sat– per denun­ciar el “silenci” de la Ber­li­nale sobre Gaza i més expli­ca­ci­ons de la pre­si­denta del fes­ti­val, Tri­cia Tuttle.

Jung va con­ti­nuar sac­se­jant una con­ferència de premsa rere l’altra amb pre­gun­tes polítiques als con­vi­dats. Ja cap al final, va pro­tes­tar perquè no li pas­sa­ven el micro, mal­grat que aixe­cava insis­tent­ment la mà. A la penúltima con­ferència de premsa, la de Josep­hine, favo­rita a l’Os d’Or, va inten­tar pre­gun­tar –per via d’una col·lega– a Chan­ning Tatum si s’afe­geix al mani­fest de Bar­dem i Swin­ton. L’actor no va enten­dre la pre­gunta, men­tre entre els pre­sents se sen­tien alguns crits d’impaciència d’altres col·legues –entre aquests, un “calla, pesado” en espa­nyol– i al·lusi­ons a Hamàs.

A Ale­ma­nya, tot­hom que es dedica al peri­o­disme polític sap qui és Jung, amb més de 285.000 segui­dors només a X. Va irrom­pre en les con­ferències de premsa del govern com un enfant ter­ri­ble con­tra l’esta­blish­ment mediàtic. Les seves pre­gun­tes són legítimes, ben for­mu­la­des i sovint opor­tu­nes. Però trenca la paciència de molts per la seva clara i insis­tent moti­vació política. Més d’un es dema­nava per què se li ha con­ce­dit acre­di­tació de premsa. Per tenir-ne, s’ha de ser peri­o­dista cul­tu­ral, crític de cinema o cor­res­pon­sal i Jung no res­pon a aquests per­fils.

La polèmica entorn el silenci sobre Gaza ha omplert més titu­lars que la infor­mació sobre el cine. La Ber­li­nale, un fes­ti­val que mos­tra la soli­da­ri­tat amb Ucraïna, Iran i altres cine­ma­to­gra­fies asset­ja­des, tre­mola quan es tracta de Pales­tina. La culpa sobre l’Holo­caust i l’ano­me­nada “raó d’estat” d’Ale­ma­nya res­pecte a Israel pesa sobre un fes­ti­val sub­ven­ci­o­nat amb diner públic.

Tri­cia Tuttle té raons per patir pel seu futur com a direc­tora, però no només per aquesta polèmica. La Ber­li­nale ha anat per­dent visi­bi­li­tat mediàtica des de fa uns quants anys i ella no ha rever­tit aquesta tendència. S’ha vist sobre la catifa ver­me­lla Juli­ette Binoche, Isa­be­lle Hup­pert, John Tur­turro, Ethan Hawke i l’esmen­tat Tatum. Però és lluny dels paràmetres de Canes.

El pit­jor és que tam­poc no pun­tua com a cinema d’autor. La secció ofi­cial ha estat entre dece­be­dora o de nivell baix. A les dues últi­mes jor­na­des s’ha apu­jat el nivell amb la mexi­cana Mos­cas, de Fer­nando Eimbcke, l’austríaca The lone­li­est man in town, de Tizza Covi, i la Josep­hine de la bra­si­lera Beth de Araújo. S’hi han pro­jec­tat quan molts dels crítics inter­na­ci­o­nals –als quals el fes­ti­val con­vida a cinc nits d’hotel– ja han mar­xat de Berlín. Una raó més per témer que Tilo Jung ha estat el més des­ta­ca­ble de la 76a edició de la Ber­li­nale

Jung va continuar sacsejant una conferència de premsa rere l’altra amb preguntes polítiques als convidats. Ja cap al final, va protestar perquè no li passaven el micro, malgrat que aixecava insistentment la mà. A la penúltima conferència de premsa, la de Josephine, favorita a l’Os d’Or, va intentar preguntar –per via d’una col·lega– a Channing Tatum si s’afegeix al manifest de Bardem i Swinton. L’actor no va entendre la pregunta, mentre entre els presents se sentien alguns crits d’impaciència d’altres col·legues –entre aquests, un “calla, pesado” en espanyol– i al·lusions a Hamàs.

A Alemanya, tothom que es dedica al periodisme polític sap qui és Jung, amb més de 285.000 seguidors només a X. Va irrompre en les conferències de premsa del govern com un enfant terrible contra l’establishment mediàtic. Les seves preguntes són legítimes, ben formulades i sovint oportunes. Però trenca la paciència de molts per la seva clara i insistent motivació política. Més d’un es demanava per què se li ha concedit acreditació de premsa. Per tenir-ne, s’ha de ser periodista cultural, crític de cinema o corresponsal i Jung no respon a aquests perfils.La polèmica entorn el silenci sobre Gaza ha omplert més titulars que la informació sobre el cine. La Berlinale, un festival que mostra la solidaritat amb Ucraïna, Iran i altres cinematografies assetjades, tremola quan es tracta de Palestina. La culpa sobre l’Holocaust i l’anomenada “raó d’estat” d’Alemanya respecte a Israel pesa sobre un festival subvencionat amb diner públic.

Tricia Tuttle té raons per patir pel seu futur com a directora, però no només per aquesta polèmica. La Berlinale ha anat perdent visibilitat mediàtica des de fa uns quants anys i ella no ha revertit aquesta tendència. S’ha vist sobre la catifa vermella Juliette Binoche, Isabelle Huppert, John Turturro, Ethan Hawke i l’esmentat Tatum. Però és lluny dels paràmetres de Canes.

El pitjor és que tampoc no puntua com a cinema d’autor. La secció oficial ha estat entre decebedora o de nivell baix. A les dues últimes jornades s’ha apujat el nivell amb la mexicana Moscas, de Fernando Eimbcke, l’austríaca The loneliest man in town, de Tizza Covi, i la Josephine de la brasilera Beth de Araújo. S’hi han projectat quan molts dels crítics internacionals –als quals el festival convida a cinc nits d’hotel– ja han marxat de Berlín. Una raó més per témer que Tilo Jung ha estat el més destacable de la 76a edició de la Berlinale.

La recta final dignifica la lucha por el Oso

Los programadores de la presente Berlinale no han sido justos hacia aquellos que, por ahorrar, redujeron su estancia en la ciudad a cuatro o cinco días. En ese grupo están tan blogueros y freelance como destacados miembros de la crítica internacional, a los que el festival paga cinco noches de hotel, y sus medios deciden no costearles las cuatro jornadas restantes. Al fin y al cabo, muchos habrán tenido acceso en pases previos dichos secretos o screaners a esas teóricas primicias mundiales, que en algún caso ya se vieron incluso en otro festival no europeo. Las ruedas de prensa que les acompañan se pueden seguir también por streaming o prescindir de ellas, en el caso de que no aportan ni siquiera gran estrellato.

El caso es que la última jornada, un viernes, dejó en el Berlinale Palast dos tracas finales: "Yo (Love is a rebellious bird)" y "Josephine". De la primera se sabía poco, más allá de que era una especie de falso documental sobre una amistad todo terreno entre Anna Fitch, la directora, y Yolanda She, una mujer rompedora que habita una casa que podría ser de muñecas y que, de hecho acabará siéndolo. Es un proyecto que a Fitch, casi medio siglo más joven que a su amiga, le ha llevado años de rodaje. A modo de collage reconstruye la vida de Yo, sus orígenes en Suiza, su matrimonio, sus cuatro hijos, su segunda oportunidad con un joven francés, su amor por la marihuana y sus paseos por California. Yo es, ante todo, una mujer libre, una anciana plagada de arrugas y manchas por su casi escuálidas extremidades, que nunca dejará de hacer lo que le dé la gana. No espera a la cineasta para morirse cuando finalmente le llega el momento. La casa de muñecas a escala 1:3 será su residencia póstuma.

"Yo" se proyectó en un Berlinale Palast semivacío. De "Josephine" sí se sabía que era favorita al Oso, tras haber triunfado en Sundance y pese a que no suele premiarse en Berlín lo que llega con un galardón ajeno. Cada jurado quiere encontrar su película propia, no adoptar la de otros. Pero teniendo en cuenta que el nivel de la Berlinale ha sido flojo o muy flojo tampoco se la puede descartar del palmarés.

La historia de la niña de ocho años, Josephine, que es testigo presencial de una violación en un bosque cerca de su casa es de alto voltaje. Beth de Araújo, su directora, deja pronto de lado a la mujer violada para centrarse en los efectos sobre la niña y sus padres, Gemma Chan y Channing Tatum. De no entender lo que ha visto pasa Josephine a sospechar que el mal vive en cualquier hombre, incluso un compañero de escuela. O que el sexo es igual a violación. Por si ello fuera poco, tendrá además que  testificar en el juicio contra el violador, un hombre al que su mente ve en cada rincón de su habitación, aunque se muden a otra casa.

Es un película redonda, que pone en evidencia que las víctimas de la violación no es solo la mujer violada, sino un radio mucho más amplio. Su entorno familiar o el de una niña de ocho años, en este caso. A la directora brasileña hay que agradecerle además el buen gusto de no exponer a esa niña, Mason Reeves, a los medios a una conferencia de prensa que, además, estaba abarrotada. "Josephine" es una de esas películas que derriban las alergias de los reacios al cine con niño. Es una interpretación a ratos petrea, pero impecable, en las antípodas de lo que suele verse en criaturas convertidas en actores.  

Channing Tatum demostró, por lo demás, que es uno de esos actores que, fuera de la pantalla, se convierten en seres adormilados, insulsos, zafios o hasta inexistentes. Estuvo entre ausente o inoperante en la conferencia de prensa, pese a su condición de 'imán mediático' de la jornada. Lo más elocuente que dijo fue que su hija tiene todo su apoyo defenderse físicamente si alguien quiere hacerle algo contra su voluntad. No entendió o esquivó sin más una pregunta sobre Gaza lanzada, vía terceros, por el bloguergo Tilo Jung. Al activista ya no le pasan el micro para que haga su propia pregunta, por mucho que levante la mano desde el minuto cero. Lo que él denuncia luego como intento por silenciarlo es recibido con aprobación por algún que otro colega, que ve en su batalla política un afán de protagonismo. 

Alois o cómo afrontar un deshaucio

 

Algo va mal, muy mal, cuando se entra en la antepenúltima jornada en la lucha por los Osos de la Berlinale y el tema preferente de los medios sigue siendo la respuesta torpe de Wim Wenders respecto a Gaza y la cuestión de si la Berlinale "censura" algo que afecta a la llamada "razón de Estado" alemana -es decir, el compromiso inquebrantable con Israel, bajo el peso de la culpa por el Holocausto-. O si, en el mejor de los casos, simplemente "silencia" ese genocidio del presente. 

Para esta antepenúltima jornada, la mayoría de la crítica internacional, los enviados especiales, ya se volvió a sus países de origen. La Berlinale solo invita a cinco noches de hoteles y los medios no invierten en un festival de capa caída. Lo que queda del desfile de 22 aspirantes a Osos -o sea, cuatro películas- se resolverá a golpe de agencia o con un par de chivatazos vía wasap de amigos leales que siguen acudiendo cada mañana, a las nueve, al Berlinale Palast. 

Que un festival subvencionado -todos lo son-, etiquetado de político -solo la Berlinale lo es, en lo que respecto a los grandes- practique el doble rasero entre unas u otras víctimas -ucranianas o palestinas- es sin duda más que un lamparón sobre la Berlinale. Es incluso probable que Tricia Tuttle no sobreviva como jefa del festival al virulento debate. 

Pero no es el rifirrafe político el auténtico problema de Tuttle. Si día a día, la crítica llena sus crónicas con el último episodio en el cruce de denuncias, manifiestos y explicaciones del festival es sencillamente porque no hay nada mejor que contar. 

La selección de filmes a competición fue más que decepcionante y las secciones paralelas tampoco deslumbraron. No hubo despliegue de estrellato sobre la alfombra roja. Tampoco sorpresas procedentes del cine de autor. Y hubo mucha butaca vacía, también en las galas de estreno de la sección oficial.

 Más de uno echa la vista atrás con añoranza y recuerda los 18 años de gestión al frente del festival de Dieter Kosslick. Era propenso a salpicar cualquier frase de chistes malos y su inglés algo rústico dejaba atónito a más de un invitado. Pero año a año se traía a la alfombra roja a su amigo George Clooney y su clan, incluía en la competición a gente como Steven Soderberg y mucho vecino francés, a la prensa se le regalaban pintalabios, bolsas de la Berlinale y otros fetiches, había oferta gastronómica en la sección del 'cine culinario' y al día siguiente se acudía al pase de las nueve con los ojos enrojecidos, en caso de haberse dejado arrastrar a alguna fiesta.

La Berlinale de Tuttle es un mausoleo. La tendencia a perder visibilidad empezó con sus antecesores, Carlo Chatrian y Mariette Riessenbeek. La actual directora no ha logrado revertir esa situación, más bien la ha acentuado.

¿Está desahuciada la Berlinale? En la octava jornada a concurso, de pronto, se hizo la luz. "The loneliest man in town", de  la austriaca Tizza Covi, recolocó a un festival en pantuflas y desprovisto de crítica internacional invitada. La historia del músico de blues Alois Koch, interpretado por sí mismo, es una de esas películas donde nada sobra, todo está bien contado y con su punto de minimalismo sarcástico a lo Kaurismäki. 

Koch, sobre los 80, es el último inquilino de un inmueble en Viena programado para la demolición. La noche de navidad le cortan la luz, luego se quedará sin agua corriente, a continuación se encontrará a su obeso y tatuado propietario semidesnudo en su sofá, comiéndose su bocadillo y ensuciándole la casa. Forma parte de una estrategia de acoso y derribo para que se rinda y se vaya. 

Lo que podría derivar en una denuncia contra la especulación inmobiliaria se convierte en un retrato preciso de un personaje, su entorno y probablemente un rescate. Nada que ver con las precipitaciones del falso thriller que es la serie "Ravalejar", presentada unos días atrás. 

"The loneliest man in town" no quiere prisas ni saturaciones. Es la película que necesitaba una Berlinale en dirección al deshaucio. Es difícil que una sola producción evite el desastre. Pero sirve de pequeña revancha para los que siguen entrando puntualmente al pase de las 09.00 frente a la crítica internacional que se puso rumbo a casa.

"Moscas", otra peli con niño

 

El gremio de los que llevan mal lo de las "películas con niño" no debe ser tan reducido como aparentemente creen los programadores de festival o los cineastas. Como una afrenta aún más generalizada percibe este tipo de persona lo de que, encima, se lleve al niño protagonista a alegrar la correspondiente conferencia de prensa. 

Es una clara maniobra destinada a ganarse el favor de la supuesta mayoría a la que aparentemente sí le agrada la presencia de una criatura, su espontaneidad, balbuceos, timidez o gracias, sea en la pantalla o ante los medios. Lo de la "mirada del niño" aplicado al cine tiene muchas variantes. Por supuesto algunas de ellas valiosísimas o incluso con rango de obra maestra. Pero ni siquiera esto calma a los alérgicos a la presencia de criaturas en el cine. La aversión les ciega, hasta el punto de no calibrar la grandeza de una interpretación o el peso del mensaje de la película.

La Berlinale no debe ser consciente de esa realidad, tal vez oculta. Los que llevan mal lo de la película con niño tal vez lo comenten en voz baja, pero no lo confiesan y ni escriben sobre ello. La presente edición se abrió con un niño en la conferencia de prensa de la película inaugural, "No good men", de la afgana Shahrbanoo Sadat. En ese caso, bastante accesoria, puesto que tiene un papel más bien periférico en la historia de la única camarógrafa femenina de Kabul TV.  Hay que deducir que estaba ahí para hacer las delicias de la teórica mayoría que sí aprecia estas cosas. 

"Moscas", del mexicano Fernando Eimbcke, trajo al segundo niño ante los medios, Bastián Escobar. Ahí si estaría más justificado, puesto que lleva buena parte del peso de su filme, compartido con Teresita Sánchez, la jubilada rancia a la que obviamente acaba llevando a su red el nene. 

Todo gira en torno a un padre que trata de camuflar la presencia de su hijo ante la mujer que le alquila una habitación, sin derecho a nada, ni siquiera a dar detalles sobre el o la paciente a la que se visita y que en esos momentos está ingresado o ingresada en el hospital central de México, justo enfrente. Se trata de la madre, enferma terminal de cáncer. 

Rodada en blanco y negro, con una estética deliberadamente emparentada con el realismo italiano, el rostro y la mirada del niño le recuerdan a los enemigos del cine con niño al "Marcelino pan y vino" rodada en los años 50. Es poco recomendable para este grupo, si además no contaba con semejante "traición" de Eimbcke, el director que en 2008 encandiló a la Berlinale con "Lake Tahoe", su segundo largometraje. Ganó entonces el Premio Alfred Bauer como representante de las "nuevas perspectivas" del cine. Dicho galardón ya no existe. Quedó erradicado de la nómina de premios Berlinale en 2000, nada menos que en el 70 aniversario del festival, tras relevarse el pasado nazi del fundador del festival.

Eimbcke volvió a Berlín, la ciudad en la que vivió durante unos años, con una película que no tiene ya la luminosidad de "Lake Tahoe". No solo por estar rodada en blanco y negro. 

Es una película con muchos lugares. Se apunta un par de tantos de entrada, como el zumbar de las moscas a las que combate la vieja con todos los remedios a su alcance. De ahí pasa a exponer cómo la ternura del niño puede ganarle la batalla al mundo hostil adulto.

Prácticamente en toda edición de este festival de cine se programa alguna película con niño. Algunas salen del festival con premio, como el Oso de Oro a "Alcarràs", de Carla Simón, en 2022. O el Oso de Plata a la mejor actriz para Sofía Otero, un año después, por "20.000 especies de abejas". En esos casos, los no amantes del cine con niño deben estar preparados para actuar con contención ante la siguiente, imparable descarga emocional por parte de una mayoría del público, además de familiares y jurado presente en la gala.  

Sergi y el thriller del Raval

 

El verí de l’especulació a la Berlinale 

 

Gemma C. Serra

“Arriba un moment que per­so­nes nor­mals, tre­ba­lla­do­res, es plan­te­gen si és ètic res­pec­tar una llei que no ens pro­te­geix ni pro­te­geix la teva família”, explica Pol Rodríguez, direc­tor de Rava­le­jar. Not for sale, la sèrie de pro­ducció cata­lana que aquest dimarts ha tin­gut la seva estrena a escala inter­na­ci­o­nal a la Ber­li­nale. En un for­mat entre el thri­ller i el docu­men­tal, Rava­le­jar es una immersió en el cor d’aquest barri bar­ce­loní, el Raval. Hi retrata el verí de l’espe­cu­lació immo­biliària que fa fora veïns, comerços i res­tau­rants de tota la vida. Una jun­gla, on el ciu­tadà honest esdevé còmplice dels ocu­pes i on un fals amic –com Cristòbal, el per­so­natge que inter­preta Sergi López– és el braç exe­cu­tor dels vol­tors ano­me­nats fons d’inversió.

L’epi­cen­tre n’és Les Mos­ques, el nom popu­lar de Can Lluís, el res­tau­rant que va obrir un avi de Pol Rodríguez fa 90 anys i d’on van ser-ne des­no­nats el 2021. Al direc­tor (Bar­ce­lona, 1977) el va acom­pa­nyar a Berlín bona part d’un equip que es com­porta com una família. El ros­tre més cone­gut és el de Sergi López, que va repar­tir abraçades per un fes­ti­val on es belluga com a casa, perquè hi ha pre­sen­tat mitja dot­zena de pel·lícules. Era un nou retorn a la capi­tal ale­ma­nya, on havia estat no fa ni un mes com a part de l’equip de Sirat, la pro­ducció d’Oli­ver Laxe que es va gua­nyar cinc pre­mis a la gala de l’Acadèmia del Cine Euro­peu. L’acom­pa­nya­ven els actors Enric Auquer, Maria Rodríguez Soto i Quim Àvila, entre d’altres.

“A Rava­le­jar hi con­vi­uen uns setanta actors, entre els con­sa­grats i altres de novells, amb gent d’un barri que històrica­ment ha aco­llit molta immi­gració, però on ara ningú no troba pis o el fan fora del que té”, explica Pol Rodríguez. La sèrie està codi­ri­gida per Isaki Lacu­esta, que el 2022 va com­pe­tir al fes­ti­val amb Un año, una noche, la impac­tant pel·lícula sobre una pare­lla que sobre­viu a l’atemp­tat del Bata­clan de París. L’estrena de la sèrie a la pla­ta­forma HBO serà al maig. Però a la gran pan­ta­lla de la secció Ber­li­nale Spe­cial Serie se n’han pre­sen­tat els dos pri­mers capítols.

Rava­le­jar recorre la pèrdua d’iden­ti­tat d’un barri o una Bar­ce­lona que des­a­pa­reix engo­lida pel turisme de cre­uer, el dels pisos turístics o el dels expats. Reflec­teix la crisi de l’habi­tatge en una ciu­tat que, com tan­tes capi­tals euro­pees, també Berlín, esde­ve­nen apa­ra­dors al ser­vei del visi­tant. “Ens hem trans­for­mat en una soci­e­tat amb dos tipus de per­so­nes: els turis­tes i els que no tenen casa. Nosal­tres matei­xos, quan viat­gem, ens trans­for­mem en còmpli­ces de la crisi de l’habi­tatge. No ens plan­te­gem el que pro­vo­quem ni en dema­nem res­pon­sa­bi­li­tats”, explica el direc­tor bar­ce­loní. El resul­tat n’és una “des­pro­tecció davant les estruc­tu­res del capi­tal i una classe política que des­a­pa­reix, ni la veiem, perquè no ofe­reix solu­ci­ons”.

Rava­le­jar és un cop de rea­li­tat que con­trasta amb Rose­bush Pru­ning, una de les 22 pro­duc­ci­ons inclo­ses a la secció ofi­cial d’aquesta 76a edició de la Ber­li­nale, sense repre­sen­tants del cinema català i espa­nyol en la lluita per l’Os. Al jurat pre­si­dit per Wim Wen­ders li cor­res­pondrà repar­tir honors dis­sabte que ve.

Rose­bush Pru­ning, diri­gida pel bra­si­ler Karim Aïnouz, incor­pora una bona des­fi­lada d’actors cone­guts, com Ellen Fan­ning, Callum Tur­ner, Jamie Bell, Pamela Ander­son, Riley Keuogh i Elena Anaya. Van apor­tar a la catifa ver­me­lla del fes­ti­val, aquest any prou des­lluïda, la presència de la can­tant Dua Lipa, pare­lla de Tur­ner. Però al marge de mag­ne­tis­mes mediàtics, aporta poc al cine i no és gens iden­ti­fi­ca­ble amb la Bar­ce­lona on teòrica­ment dis­corre. La gent de debò, bona o dolenta, de Les Mos­ques és subs­tituïda per un grup de rics ame­ri­cans, pares, fills i la xicota d’un d’ells, que mai no tin­dran pro­ble­mes d’habi­tatge. No només perquè els sobren els diners, sinó perquè són per­so­nat­ges ali­ens a la vida real. També gira tot entorn d’una família, però en comp­tes d’esti­mar-se i aixo­plu­gar-se es des­tros­sen entre ells com llops atrets per la carn san­gui­no­lenta d’un be aban­do­nat. Res del que passa té a veure amb Bar­ce­lona, que es reco­neix perquè hi surt el funi­cu­lar i alguna imatge de la Bar­ce­lo­neta. Si a la Vicky, Cris­tina, Bar­ce­lona de Woody Allen ja es res­pi­rava poca auten­ti­ci­tat, la pel·lícula d’Aïnouz és un fake, on l’únic autèntic són les saba­tes de Bot­tega i altres pro­duc­tes d’alta gamma que llu­ei­xen els pro­ta­go­nis­tes.

La Binoche somos todas

A Juliette Binoche hay que admirarle, además de la inteligencia, la belleza o los ojos que atrapan el mundo, su capacidad para afrontar cinematográficamente dilemas complejos. "Queen at see", dirigida por Lance Hammer, la sumerge en uno de esos dilemas que tarde o temprano afrontamos todos. O muchos. Qué hacer con nuestro padre, o con nuestra madre cuando la edad o la demencia les convierte en unos seres desvalidos e incontinentes, que a veces no nos reconocen y otras veces solo a duras penas. Que no saben vestirse, ni peinarse ni mucho menos ducharse. No es tema nuevo. Hay cierta sobredosis incluso de grandes películas recientes en esa dirección.

"Queen at see" lo aborda desde un tabú persistente respecto a los viejos: el sexo. Binoche es la hija de una adorable, pero demente viejecita -Anna Calder-Marshall-. Según ella, ese esposo y compañero actual que la cuida, limpia y mima la somete a sexo forzado. De la sospecha pasa a la denuncia. Y la intervención policial deriva en lo irremediable: que a su madre la apartan del esposo, de su entorno, de su hogar, para llevarla a un lugar seguro: uno de esos morideros llamados asilos de ancianos.

La sospecha no se confirma. Al contrario. La videovigilancia del asilo evidencia que no solo desea sexo, sino que lo busca. Demasiado tarde para revertir lo irremediable. A Leslie, su madre, le quitaron los pocos elementos de referencia que le quedaban. El retorno al entorno conocido no funciona. O la demencia entró en fase irreversible. Es cuestión de tiempo que se produzca el accidente doméstico.

Hasta aquí, el argumento. Lo que pesa sobre Binoche, Calder-Marshall y Tom Courtenay no es solo la sospecha de violación de una anciana o cómo actuar ante ella. Ahí está también la hija adolescente, Florence Hunt, quien de algún modo representa el futuro que le espera a Binoche en veinte, treinta o cuarenta años.

Se precipita Binoche al denunciar el supuesto abuso sexual. Cómo reaccionar a esa sospecha. Se trata simplemente de la reacción a la culpa de una hija que estuvo ausente y que de pronto trata de compensarlo. 

"Queen at sea" es una película imposible de digerir para todos aquellos que pasan o pasaron recientemente por la situación de arrancar fuera de su entorno a su padre, o a su madre. Sea porque estuvieron físicamente ausentes; sea porque les superó la tarea de cuidarlos; sea porque no hay forma de hacerlo bien. Depositar a alguien en el moridero le convierte en un ser infeliz, tu eres infeliz y además sale caro. 

También es imposible de digerir para todos aquellos que no están en esa tesitura, al que una película así resulta insoportable, aburrida o sencillamente deprimente. Por perfecta que sea la interpretación de Binoche, como siempre. Por meticulosa que sea la reconstrucción de lo que ocurre en esos morideros, plagados de otros muertos en vida, donde además te obligan a participar en actividades colectivas.

Binoche somos todas. Como hijas o como madres, a quien algún día tu hija deberá confiar al moridero.  Aun  no lo sabes, o no quieres saberlo. Pero tu destino es convertirte en esa desvalida anciana que ya no sabe vestirse sola; tu hija adolescente será una mujer adulta desbordada por la situación. 

Binoche fuimos, somos o seremos todas. Mucha menos identificación se produjo en esta Berlinale con Amy Adams. Independientemente de si se está o no bajo los tentáculos de una adicción, en este caso el alcoholismo. De su asimismo acuático título, "At the see", proyectada unos días antes que la película de Binoche, se esperaba mucho. Algunos temían que el húngaro Kornél Mundruczo se dejara llevar por su tendencia a lo pretencioso. Pero incluso así se anunciaba como un valor sólido al menos en lo mediático. Nada de ajustó a lo previsto. No es una película pretenciosa, pero sí decepcionante. Y no solo porque Amy Adams no acudió a dar algo de brillo sobre la mortecina alfombra roja. Su mujer rota que regresa al hogar tras seis meses de terapia contra su alcoholismo es una coreógrafa famosa que asume lo de recomponer los platos rotos dejados por su adicción como si fuera una "to do liste" donde ir tachando tareas. Primero se arregla con su hijo pequeño, que de entrada ni quiere ver a la mamá que casi se mata conduciendo borracha con él dentro. Luego seguirá el esposo, luego el manager y amigo, luego la hija adolescente que en su ausencia ejerció de señora de la casa. Y así sucesivamente.

El "to do" de Adams es el previsible. Y, encima, recuerda peligrosamente a la inmensamente superior "Valor Sentimental" de Stellan Skarsgard. Aquí el padre tiránico es una figura deshilachada. Lo mismo ocurre con el resto del reparto. Ni siquiera se echó tanto de menos a Adams. 

Hay familias fake y familias chinas

 

Tilo en Variety (+terror finlandés)

 

Una fotonovela mexicana y un amor entre tomateras

 

Un Kabul que bien podría ser Hamburgo

Hay que reconocerle a Tricia Tuttle cierta osadía en el arranque de su segunda Berlinale. La película inaugural ni aporta despliegue de estrellato sobre la alfombra roja ni está entre las 22 aspirantes al Oso. Y el personaje a homenajear por el conjunto de su carrera no es ni Steven Spielberg ni un Martin Scorsese, que llenan por sí mismos páginas y páginas, sino Michelle Yeoh, una actriz maravillosa, pero cuyo nombre dirá poco o solo remotamente a muchos ciudadanos de a pie. 'Nunca imaginé que una chica de Malasia que soñaba sin límites podría estar aquí", dijo la ganadora del Óscar a la mejor actriz en 2022 por "Everything Everywhere All at once", al recoger su Oso de Oro de Honor. 

La categoría de homenajeado del año no suele generar discusiones, aunque sí mayor o menor impacto mediático según quién lo reciba. En el caso de Yeoh, tuvo una gala digna y tan elegante como es ella misma. Nada más y nada menos.

Con algo de desconcierto se acogió a la película encargada de abrir el festival y su equipo. "No Good Men’ es el tercer largometraje de Shahrbanoo Sadat, presentada como una comedia romántica ambientada en un Kabul a punto de caer bajo el control talibán. Aplicar el término comedia romántica a semejante argumento parece un oximoron. La historia de la única mujer que trabaja como camarógrafa en Kabul TV, inmersa en una sociedad que arcaica, sexista y misógina como la afgana, incluso antes del regreso talibán, da poco margen a la sonrisa. Sí tiene un punto romántico, puesto que hay un galán, el moderador estrella de ese canal televisivo. Pero nada que recuerde a lo que se entiende por el término a escala de Hollywood o sus equivalentes europeas. 

El desconcierto aumenta cuando además se entera uno de que obviamente no ha sido rodada en Kabul, porque sería imposible, pero tampoco en algún país vecino o similar. Es 'ambientada' en la capital afgana, pero el rodaje tuvo lugar entre dos barrios de Hamburgo, la ciudad donde reside Sadat desde que escapó prácticamente in extremis de su país, en medio del caos precipitado por la retirada de las tropas de Estados Unidos y demás aliados occidentales.

Trasladar el polvo, trasiego o griterío afgano a la ciudad hanseática alemana habrá sido tarea titánica. El personaje de Naru, que interpreta la propia realizadora, se mueve en un Afganistán corrupto, con una democracia que si llegó a existir, se desmorona, y poblado por unas mujeres valientes, a las que el espectador sabe que se les arrebatarán todos los derechos en breve. La ambientación funciona. O eso le parece al espectador occidental que nunca pisó Kabul y que se pregunta cómo lo habrán conseguido. Interesante sería saber cómo lo percibe un ciudadano afgano.

La inauguración de la Berlinale con "No Goog Men" fue un acto de fe por parte de Tuttle y una apuesta por el cine dirigido por mujeres, especialmente de cinematografías periféricas. La alfombra roja se tendió para el equipo de Sadat, desde la capital de una Alemania que hace unos meses reanudó las deportaciones de afganos a su lugar de origen, a través de terceros países, pero contando con mediación talibán. Los vuelos de deportación parten regularmente de los aeropuertos alemanes, entre denuncias de organizaciones humanitarias que alertan de lo que les espera a esos grupos reducidos de afganos. Las autoridades alemanas argumentan que se trata de delincuentes condenados por delitos graves, incluida violación en grupo, o multireincidentes,   

A Wenders no le sopla Tilo Jung

¿Cuándo empieza para cada uno la Berlinale? ¿Con la llegada del primer formulario para acreditarse, cuando se rellena, responde y se paga, previa confirmación de su concesión? ¿Cuando se asiste al primer pase avanzado para los medios? ¿O cuando aparece el señor que coloca las aguas minerales y arregla los micros para la primera conferencia de prensa y compruebas que sigue siendo el mismo hombre de todos los años?

Todas las respuestas son válidas. Pero, en términos de adrenalina o nervios, la primera sacudida procede desde hace unos años del ordenador, en casa, a las 07.30 de la mañana, cuando se activa por fin la plataforma para acceder a las entradas. Ahí aparece otro señor, también viejo conocido, aunque algo más reciente, en formato mínimo y andarín, que te coloca en la lista de espera. Avanza desesperadamente lento. Pasan minutos eternos por mucho que le des al refresh. Y cuando alcanzas el objetivo, ingresar en la plataforma, compruebas que se agotaron las entradas más codiciadas. No importa si madrugas para conectarte a las 07.15 o si decides hacerlo a las 07.35. Nada te evitará la percepción del mal trato o la arbitrariedad de la lista de espera. Hay que decir, sin embargo, que acaban consiguiéndose. Al que madrugada, el hombrecito le ayuda.

En términos mediáticos u oficiales, la Berlinale arranca con esa primera conferencia de prensa en el Hyatt que corresponde, también desde siempre, al jurado. Wim Wenders preside, como todo el mundo sabe. Las primeras frases corresponden, también de acuerdo a lo conocido, a la pregunta de cuán político es este festival o si piensa que el cine político puede cambiar las cosas. "Las películas pueden cambiar el mundo, pero no en un sentido político", responde. 

Hasta aquí, todo bien. Nada se salió del guión. De no haber sido que entre los acreditados estaba Tilo Jung, periodista, bloguero o influencer, según se vea, al que también le cuadra la definición de "Nervensäge" -"serrucho para los nervios", literalmente-. 

Jung irrumpió en las conferencias de prensa de portavoces gubernamentales hace unos años. Era un 'enfant terrible', un preguntatodo, en un contexto de representantes de los medios más bien convencionales y a menudo avejentado. Con el tiempo se ha convertido en un clásico. A él dedican su tiempo, o la pérdida de él, los portavoces del gobierno. Responden disciplinadamente a preguntas a veces irreverentes, pero necesarias, o en ocasiones simplemente rompepelotas.

Tilo Jung, con unos 280.000 followers solo en X, no podía dejar la oportunidad de crecer en redes. ¿Es la Berlinale un festival amordazado?, preguntó. Recordó que se está ante un festival subvencionado, donde Gaza es un tema tabú. Se apoya al cine ucraniano o al iraní, pero se ignora el genocidio de Gaza. La primera en responder fue la productora polaca Ewa Puszczynska, a quien le pareció "injusto" que se les preguntara eso. Wenders trató de secundarla. Las redes empezaron a arder. Justo ante tras la pregunta de Tilo se interrumpió el streaming.

En la sala de prensa había suficientes periodistas para tomar nota y cámaras para seguir grabando. Pero la implantación del streaming mató al periodismo presencial, lo mismo que el hombrecito de la plataforma de tickets online derribó el counter de toda la vida. 

La dirección de la Berlinale subsanó el problema, pidió disculpas y colgó la conferencia de prensa íntegra en cuanto fue técnicamente factible. Pero las redes ya ardían. Tilo se reeditaba como bloguero justiciero, ahora en territorio del cine. Censura, era lo más suave que se achacó al festival, mientras que a Wenders se le llamó directamente vendido a la "razón de estado" alemana y su apoyo incondicional a Israel.

El arranque de la Berlinale generó así uno de esos debates eternos sobre el peso de la culpa por el Holocausto y el silencio alemán sobre el genocidio en Gaza. Será un debate eterno, como lo fue el que se generó en 2024 con el premio al mejor documental para “No other land”, del duo israelí-palestino Yuval Abraham y Basel Adra. 

"Recibo amenazas de muerte y he tenido que cancelar mi vuelo de regreso. Esto me ocurre desde que medios israelíes y alemanes calificaron absurdamente de antisemita mi discurso en la Berlinale", escribía desde X Abraham unos días después de la gala, dos años atrás. Su pecado consistió en pronunciar la palabra apartheid aplicada a lo que a diario viven los palestinos en su tierra. En ese caso, Cisjordania.

Wenders probablemente estuvo torpe. O tal vez también le pesa la culpa alemana. Incluso es posible que no atendiera a la trascendencia de la cuestión. En cualquier caso, a Wenders no le soplará un bloguero, influencer o Nervensäge. Tilo Jung logró que le citen en 'Variety'. Wenders tiene peso propio. Queda por ver si a la directora del festival, Tricia Tutlle, tampoco le sopla Tilo.

Sin salir del Kiez

Crónica desde Berlín: De catedral del tecno a nueva filmoteca alemana

Berlín Nueva Filmoteca de Berlín en el antiguo E-Werk. / Gemma Casadevall

 Gemma Casadevall    Berlín01 FEB 2026 8:00

"La gente y la industria están cansadas de ver las mismas pelis. 'Sirat' no es una peli más, es una experiencia, un evento. Una peli que convierte la sala de cine en un lugar para la catarsis". Así explicaba el cineasta franco-español Oliver Laxe las claves del éxito de 'Sirat', una película insólita con cifras récord de nominaciones dentro y fuera de España. Laxe lo resumía así, de paso por Berlín, pocas horas antes de la gala de la Academia del Cine Europeo. Su ‘peli’, como la llama, acaparó cinco premios en la categoría de técnicos y fotografía -entre ellos, el del sonido, para su impactante y desgarrado rave.

Para una de las históricas catedrales del tecno berlinés, ‘E-Werk’, el rave pasó a la historia con el cambio de milenio. Cerró sus puertas como templo del tecno y señal de identidad de nuevo Berlín surgido de la caída del Muro, en 1989. Otros clubes emblemáticos han vivido su propia agonía; la categoría de templo la ocupa ahora 'Berghain'.

Que 'E-Werk' ya no sea lugar de culto no significa que no busque la inmersión. O el evento, según la definición de Laxe. Tras la fachada de ladrillos rojos de la histórica planta energética industrial, levantada en los años 20, ha encontrado asilo la 'Deutsche Kinemathek', la Filmoteca alemana.

Foto de la nueva filmoteca de Berlín. / Gemma Casadevall

Hace año y medio, la institución quedó en tierra de nadie. Expiró su contrato de arriendo en el edificio de acero y cristal de varias plantas que ocupó frente a la sede de la Berlinale. La filmoteca parecía condenada a su propia agonía. Ahora lanza su batalla por la supervivencia a través de 'Screentime'. Ese es el nombre que recibe la instalación y proyecciones repartidas entre varios espacios de la planta baja de 'E-Werk'. Del tecno berlinés se pasó a recorrer, año a año, más de un siglo de historia del cine alemán. Ahí van discurriendo escenas emblemáticas de F. W. Murnau, Fritz Lang, Rainer Werner Fassbinder y muchos otros nombres legendarios identificables como propios de una filmoteca alemana. Por supuesto también están representados héroes menos remotos, como Wim Wenders, Tom Tykwer, Christian Petzold o Fatih Akin.

Inmersión como alternativa a la vitrina

La nueva filmoteca quedó inaugurada en la segunda quincena de enero, con un fin de semana de puertas abiertas. Quien acudió pensando que en su interior encontraría la exposición permanente que tuvo la anterior Kinemathek de la Potsdamer Platz, entre vestidos icónicos de Marlene Dietrich y demás piezas de su legado quedó decepcionado.

"Todo ese legado está almacenado. Quién sabe cuándo volverá a ser exhibido en su totalidad", explica Heidi Zapke, responsable de comunicación de la Kinemathek. Se exhiben apenas un par de trajes y algunos documentos, como una carta de David Bowie a Marlene en representación de ese legado ahora conservado en el archivo.

'Screentime' es un evento inmersivo, no una exposición. No se trata de pasear entre vitrinas, sino de sentarse y asistir a las proyecciones. El espacio se convertirá en sala de cine durante la próxima Berlinale para la sección 'Retrospectiva'. En mayo ofrecerá su primera exposición. Aunque tampoco entonces exhibirá, advierte Zapke, el enorme legado de su archivo. Entre las proyecciones y el concepto de evento de 'E-Werk' buscará la filmoteca una nueva vida. Dispone de diez años -los previstos en el nuevo contrato de arriendo- para lograrlo.

El fin de semana inaugural fue su tarjeta de presentación. Se formaron colas ante su acceso, como no veía el 'E-Werk' desde sus tiempos del tecno. Durante la Berlinale, del 12 al 22 de febrero, espera ganar en proyección internacional. La retrospectiva del festival de cine de este año incluye títulos como el 'Allemagne année 9 neuf zéro' de Jean-Luc Godard. Será una inmersión en concepto de evento actualizado.

En las antípodas del multicine

En pos de la supervivencia están asimismo los cines de barrio –Kiez, en alemán-- que aprovechan el tirón del festival para recordar que siguen ahí. Muchos de ellos no han superado el parón de la pandemia. Como viene haciendo desde hace unos años, la Berlinale prestará una alfombrilla roja en formato reducido a salas como 'York', en el multiétnico barrio de Kreuzberg, 'Xenon', en el vecino de Schöneberg, o 'Casablanca', en el extrarradio. Es una selección entre la larga lista de salas como Babylon, Kurbel, Eiszeit, Sputnik o Zeiss-Grossplanetarium que se reparten por la capital alemana. Ofrecen programas ambiciosos, preferentemente en versión original con o sin subtítulos, en salas a veces diminutas y con estéticas en las antípodas del multicine o Cinemaxx.

Un año más, durante la Berlinale habrá un pase especial en la cárcel de Plötzensee. Es un evento único, en que se reclama del espectador que deje todas sus pertenencias, móvil, etc en los cajetines tras cruzar el portalón de alta seguridad, tal como hacen los familiares o amigos que visitan a su reo.


El 'Berlinale Goes Kiez' -o 'La Berlinale va al barrio'- es una forma de darse ánimos frente a la dura competencia. Durante la Berlinale bullen de actividad. El resto del año plantan cara al streaming doméstico y las plataformas. También ahí hay goteo anual de cierres. Las que siguen en pie representan la batalla por el cine como evento, lo que solo puede darse, a su parecer, desde la experiencia colectiva de ver una película en sala.

Colas para acceder a la prisión de Plötzensee en Berlín / Gemma Casadevall

La previa, como género

 La Berlinale pone a varios 'reincidentes' en busca del Oso, con Wenders en el jurado

Elle Fanning, Isabelle Huppert y Amy Adams estarán en la Berlinale 2026. / EPC

  Gemma Casadevall    Berlín20 ENE 2026 


Juliette Binoche, Amy Adams, Elle Fanning, Channing Tatum, Pamela Anderson y hasta una nieta de Elvis Presley, Riley Keough, son algunas de las estrellas a las que se espera ver sobre la alfombra roja de la próxima Berlinale, que llevará un total de 22 películas incluidas en la lucha por el Oso de Oro. Fuera de concurso acudirán filmes con Isabelle Huppert, John Turturro y Steve Buscemi. Y en el apartado de homenajes se dará el Oro de Honor a la versátil y guerrera Michelle Yeoh, a la que la directora del festival, Tricia Tuttle, identifica como un "talento rompedor de fronteras geográficas, lingüísticas o cinematográficas". Corresponderá la tarea de repartir los Osos al jurado internacional presidido por Wim Wenders, otra mediática presencia bajo su 'cielo' berlinés.

Tuttle, en su segundo año al frente del festival, reveló este martes el programa al completo de la Berlinale que arrancará el próximo 12 con el estreno mundial, aunque fuera de concurso, de 'No Good Men', de la directora afgana Shahrbanoo Sadat. Entre las películas seleccionadas para la competición destaca la escasa presencia del producciones identificables como "de Hollywood", la apuesta por el llamado cine de autor y el alto número de reincidentes -hasta catorce- o cineastas que ya anteriormente presentaron sus películas en su Berlinale, en algunos casos en la sección oficial.

Potencial latinoamericano

Por segundo año consecutivo no habrá ningún director español en la competición oficial. Pero eso no es tan insólito en el festival berlinés, como tampoco lo es su reconocida preferencia por América Latina. Hay tres películas a competición dirigidas por cineastas latinoamericanos: 'Rosebush Pruning', del brasileño Karim Aïnouz -luchador por el Oso en 2014 con 'Praia do Futuro'-, que interpretan Elle Fanning y Pamela Anderson; 'Moscas', del mexicano Fernando Eimbcke --premio especial del Jurado en 2008 con 'Lake Tahoe'-- y 'Josehine', de la brasileño-estadounidense Beth de Araujo, con Channing Tatum entre sus protagonistas.

También buscarán su puesto en el palmarés cineastas como el húngaro Kornel Mundruczo, con 'At the Sea' que interpreta Amy Adams, así como Lance Hammer, con 'Queen at Sea' y Juliette Binoche enfrentada a los dilemas de la demencia. El cine de animación estará representado por la japonesa 'A new dawn', de Yoshitoshi Shinomiya. Y el apartado de biopics. por 'Everybody Digs Bill Evans', del británico Grant Gee, consagrado al legendario pianista de jazz. Otros cineastas a concurso son Ilker Catak, Emin Alper, Hanna Bergholm Angela Schanelec, Warwick Thornton, Alain Gomis, Anthony Chen, Markus Schleinzer y Hanna Bergholm.

En la selección hay más cine calificable como "familiar" que político, explicó Tuttle en su presentación. Habrá historias de amor o de amor propio, comedias, incluso un western, con lo que la directora del festival quiere plasmar la diversidad del cine actual. Que no haya mayor acento político es algo un tanto insólito en la Berlinale. Pero para Tuttle lo importante es plasmar la "diversidad" del cine actual.

Presencias fuera de concurso

Al cine español se le reservan puestos de relevancia tanto en la pujante sección 'Special Series', a través de 'Ravalear', de Pol Rodríguez e Isake Lcuesta, así como en Panorama, la segunda en importancia de la Berlinale, con la opera prima de Ian de la Rosa 'Iván & Hadoum'.

A Huppert se la verá como 'La condesa sangrienta', en Berlinale Special. A Turturro y Buscemi, en 'El único carterista vivo en Nueva York', en ese mismo apartado. La dirección de la Berlinale, de acuerdo a su costumbre, anunciará más adelante o incluso ya con el festival en marcha quiénes entre el cúmulo de estrellas potencial acudirán finalmente a Berlín.

Regreso a la Haus der Kulturen der Welt

 'Valor sentimental' se corona como mejor película europea y 'Sirat' acapara méritos por su impactante técnica

Los actores Stellan Skarsgard y Elle Fanning en un fotograma de 'Valor sentimental'. / Kasper Tuxen Andersen/Elastica Films

 Gemma Casadevall   17 ENE 2026 

La película española "Sirat", un desgarrado "road movie" a impactos de "rave", acaparó cinco premios de la Academia del Cine Europeo, que dio el galardón al mejor filme del año a "Valor Sentimental", del danés Joachim Trier. El cine europeo, desde su sede en Berlín, repartió así honores entre la solidez del cine escandinavo y la valentía, rebelde e innovadora representada por Oliver Laxe y su equipo de "Sirat".

'Valor sentimental' partía como favorita y le dio, además, el premio al mejor director a Trier. También ganó el correspondiente al mejor actor el sueco Stellan Skarsgard, por su magistral trabajo como carismático, genial y también terrible padre ausente de regreso al hogar. Y a una de estas "hijas" en la película, la noruega Renate Reinsve, le correspondió el de mejor actriz. Fue un triunfo nada inesperado para Trier, cuya película además se llevó el de mejor guión y a la música original.

El premio al mejor director para Trier dio ocasión a ver de nuevo juntos a "Los Javis", encargados de entregarlo en su reaparición en público tras su separación.

'Sirat' abrió su caja de los honores con el premio a la mejor dirección artística, para Laia Ateca. Le seguió el de mejor sonido, por la inmersion en el 'rave' que logran Laia Casanovas, Amanda Villavieja y Yasmina Praderas. Luego sumó el de mejor montaje, para Cristóbal Fernández y el del cásting, para Nadia Acimi, Luis Bértolo y María Rodrigo. A los cuatro premios técnicos siguió un quinto, esta vez de rango "principal": el de fotografía, que fue para Mauro Herce.

Consagración europea para el equipo de Laxe

Laxe había llegado a Berlín con la sensación de un 'regreso al hogar europeo', como explicó horas antes de la gala. Acudía también con cómputo récord de nominaciones para la gala de cine europeo. Luchaba por el máximo galardón, el de dirección y el de actor, más los denominados técnicos. Su "peli", como la llama, es radical e intensa. Obtuvo ya el Premio del Jurado de Cannes 2025, varias nominaciones a los Globos de Oro, está en la carrera hacia los Óscar y se encamina a los Goya.

"Deberíamos dejar de lado el lenguaje belicista, lo de colocar titulares de 'arrasa' o 'se va de vacío' para definir el éxito o el fracaso", advirtió Laxe. El director franco español (1982) defiende que el público alcanzado con "Sirat", tanto en proyecciones en sala como en plataformas, significa que "ya hemos ganado".

La película, interpretada por un actor más que rodado, Sergi López, junto a neófitos arrancados de la vida misma, ha impactado tanto en espectadores no cinéfilos como en severos jurados. El eje es Luis, el padre que se pierde con su hijo en una "rave" Marruecos. Recorre sucesivos desgarros, de los que es casi imposible seguir vivo.

"Es una peli que habla de nuestros miedos, de nuestros deseos de cambio, de nuestra necesidad de trascendernos", explicó Laxe a El Periódico, unas horas antes de la gala. Hace 10 o 15 años no hubiera entrado en la carrera de los Óscar, reconoce. Pero ahora aparece como un "reflejo de nuestro tiempo" o como una "terapia de choque". Ha devuelto al público joven a las salas de cine, convertidas en espacio para la inmersión en su “película evento”. Expone un dolor y unas heridas que, en lugar de cicatrizar, conviven con la muerte.

Liv Ullmann, una homenajeada anti-Trump

Al margen del triunfo de "Valor sentimental", el cine escandinavo protagonizó también el apartado de homenajes a través del premio a toda la carrera que recibió Liv Ullmann, la actriz y directora noruega, durante un tiempo pareja del director sueco Ingmar Bergman, uno de los fundadores de la Academia del Cine Europeo.

Ullmann recibió el premio de manos de otra mujer poderosa en la historia del cine europeo, Juliette Binoche, presidenta de la Academia. Ullmann no dejó pasar la ocasión y aludió sobre el escenario a lo que, para muchos noruegos, es una afrenta: que la ganadora del Nobel de la Paz 2025, la líder de la oposición venezolana María Corina Machado, haya entregado su medalla al presidente Donald Trump. "Soy noruega. Nosotros damos el Nobel a una persona… ¿y esa persona lo da a otro? Si van a despreciarlo, deberíamos quitárselo", dijo, entre ovaciones a sus méritos y a esa frase.

A Ingmar Bergman y a una cuarentena de cineastas europeos se debe la fundación de la Academia, en 1989. Fue la respuesta continental a Hollywood y colocó su sede en el Berlín de Wim Wenders, otro histórico de la Academia. De acuerdo a la tradición, la capital alemana recibe la gala con periodicidad bianual. En los años alternos ha discurrido por ciudades como París, Roma, Varsovia, Barcelona, Malta o Reikiavik.   

Las ediciones berlinesas suelen tener un aire de regreso a los orígenes y de antesala de su festival de cine, la Berlinale, que se abrirá el próximo dia 12 de febrero. A Wenders le corresponderá presidir el jurado internacional que repartirá los Osos del festival.   

La gran Conxita, Gemma y otras chicas de gala